If you're listening to this, you are the Resistance.

Corría el año de 1984, su servidor el Maqroll apenas contaba las siete primaveras pero qué caray, fue llevado por sus padres a ver una de las películas representativas de los ochenta (razón por la que no critíco a mis amigos por llevar a sus hijos peques a ver pelis chidas) la cual como muchas que vi en esa década me dejó impresionado, sobre todo porque la narrativa misma del filme es básicamente desde la perspectiva de Kyle Reese vía una narración indirecta. Propone una de las paradojas del viaje en el tiempo más interesantes en la historia del cine, Reese es enviado al pasado por John Connor quien a su vez ya sabe que él es su padre y de no enviarlo al pasado no nacería. En sucesivas secuelas se suma la paradoja que plantea el hecho que la presencia del T-800 en el siglo 20 es lo que origina el acelere cyberético que lleva a la creación de los modelos T vía la I.A. Skynet. Paradojas que provocan dolores de cabeza a los menos versados en la Sci Fi y largas discusiones entre los fans, entre los cuales me cuento. Ah, pero ahora llega a mis sentidos el nuevo capítulo de la saga cinematográfica... Terminator Salvation.

Dirigida por el mismo McG (nombre real Joseph McGinty Nichol) quien hizo sus pininos directoriales con ambas pelis de los Ángeles de Charlie, Termionator: Salvation es una película que comienza una nueva era de la franquicia. Los rumores son que es una nueva trilogía, la cual comienza con Salvation y no lleva a través de la vida de Connor de quien sólo sabemos que es líder de la resistencia, que es bien maldito y que envía a su propio 'apá en el tiempo para salvar a su 'amá y al mismo tiempo asegurar su existencia. Comencemos, el guión es muy bueno, quizá ya no tan intrincado como el primero, sin manejar las líneas históricas y la metadiégesis (las historias dentro de la historia) porque es un producto más comercial (las audiencias no reciben bien las tramas complicadas) sin embargo maneja todo el Lore de Terminator, introduce nuevas paradojas pero no altera la esencia de la historia original. Como nota personal, yo no he tenido oportunidad (ni tiempo) de ver la primer temporada de las Sarah Connor Chronicles (las compré, y ahí están junto a los libros que no he leído aún) así que no sé qué influencia pueda llegara tener en la línea narrativa-temporal del filme. Per se, me pareció excelente. La fotografía es muy buena, mostrando escenas amplias que hacen de esta una película espectacular (no verla en la pantalla de cine será un error), la textura del filme es genial, crea ambientes post-apocalípticos que no caen en lugares comunes (en el sentido metafórico de la repetición de fórmulas), lo que me lleva a mencionar el diseño de vestuario que es sobresaliente, con ropa que se ve gastada pero tampoco "inventada" lo que en otros filmes hace que se vea forzado el ambiente. El diseño de producción es muy bueno, todo lo que vemos tiene su referencia en los filmes anteriores, lo único que varía es el diseño de sonido, los sonidos que se usaron en la primer película difieren en esta (el sonido de las armas, de los robots, etc.) lo que no significa que en Salvation no sea espeluznante el sonido que hacen los T-600, se enchina la piel, apreciado gracias al maravilloso sonido de una sala digital. La edición del filme nos transporta a través de la historia sin traspiés, fluidamente y no deja cabos sueltos. Excepto aquellos conceptos que quedan para la secuela, claro. Los personajes son tridimensionales, y es genial poder ver caras conocidas. Es una de las grandes del verano y definitivamente revitaliza la franquicia de manera muy poderosa. Mi único comentario negativo es que la estructura narrativa no es tan intrincada como en la primera, pero yo soy quisquilloso en ese aspecto, la narrativa es una de las áreas de estudio que me laten y Terminator Salvation es básicamente una película de Sci Fi de acción con el objetivo de que sea espectacular. Cosa que logra. Les garantizo que iré a verla por lo menos otra vez.
Terminator: Salvation obtiene unos nachos con queso y una coca fría.

Good bye Blackie...

Este fin de semana tocó el turno a Public Enemies de verse en el Templo del Cinematógrafo, dirigida por Michael Mann (cuya filmografía no se me hace a mí toda tan buena) y con las actuaciones de los galanes Johnny Depp y Christian Bale cuenta la historia (basada en hechos reales) del gángster John Dillinger. Hace ya algunos añitos mi papá y yo nos dimos a la tarea de vaciar los anaqueles del VideoVision (una filial del VideoCentro) de todas sus pelis de gángsters, vimos desde cosas geniales: The Untouchables, The Godfather, Bonnie and Clyde, etc.) hasta otras menos geniales, como películas de Dillinger, Capone, Nitty y otros. Yo por esa razón entré a la sala conocedor de la historia de Dillinger (y sí, sabiendo cómo terminaría) pero fue un verdadero placer verla a través de la cinematografía de Mann, la música de Goldenblath (maravillosa) y la foto de Spinotti. El guión está basado en el libro del escritor norteamericano Bryan Burrough's que narra la historia de cómo nació el FBI en manos de Hoover durante la ola de crímenes a manos de todos estos gángsters lo que nos da un filme muy apegado a los hechos reales además de brindarnos una narración cronológica con actos muy bien definidos. El diseño de vestuario es asimismo un logro en cuestión de retratar la época, los autos también nos brindan ese feeling de que es 1933 y aunque fue más complicado filmar un Chicago de los treintas, la película tiene mucho mérito en cuestión de ambientación. Las actuaciones son sobresalientes, sobre todo porque Depp había caído en ese bache de capitán Sparrow que yo creí haría mella en su imagen, afortunadamente me equivoqué. Me gustó mucho poder recordar aquellas pelis que vi con mi papá en la lucha que se dio entre Purvis y Dillinger, pero fue genial a través de una fotografía tan bien cuidada, con visos de los filmes antiguos de Clark Gable o de James Cagney, mismos a los que hacen referencia en la peli. La edición se acopla al momento y el acto, cuando son asaltos, es vertiginosa, acompañado de música de guitarra, mientras que cuando es solemne o dramática, es más lenta, la música ambientando solemnemente, a ratos en crescendo. Sin embargo, también hay escenas que "imitan" una cámara de TV, lo que me llamó mucho la atención, pero nos colocan justo en el centro del acto, dando ese sentir de estar ahí en el acto. Muchas escenas oscuras con filme de alta sensibilidad que dejaba ver el grano, lo que me gustó también. Enemigos Públicos es un filme que hay que ver si te gusta el género, o bien si disfrutas del cine bien hecho de corte histórico-dramático.
Public Enemies recibe nachos y coca fría.

Partes originales, guión... ehmm

Por fin Fast and Furious, su servidor Maqroll no baja pelis a menos que estén ripeadas como debe de ser, de DVD o Blu, razón por la cual no había podido verla antes. La cuarta película de los rapidos y fuirosos es todo un caso cinematográfico, bien, si comenzamos por el guión tengo que ser sincero y admitir que no puede haber una historia más trillada, de hecho en películas de comedia se mofan de este tipo de Leit Motifs y se los voy a contar porque no es ningún Spoiler, matan a la novia de Toreto y entonces it's payback time! En serio, es el motivo más viejo en el libro. Sin embargo, tenemos a todo el cast original de la primera, autos chidos (no sé de autos, lo admito, pero están geniales), chicas sexys y unas persecuciones impresionantes, nuevos trucos y stunts además de una secuencia que ahí sí no quiero arruinarles si no la han visto que yo jamás había visto antes, digna de pasar a los anales del cine de automovilismo (Vanishing Point, The Italian Job, Bullit, etc.) Porque les seré sincero, el guión podrá er la misma cosa pero nadie puede dejar de disfrutar una película donde una vez más están juntos Dominic Toreto y Biran O'Conner trepados en veloces automóviles y pateando traseros. La fotografía es muy buena, me agrada que las escenas muestren tomas abiertas donde podemos apreciar la magnitud de los trucos que realizan con los autos, que no son nada fáciles de lograr (de ahí el disclaimer que ponen al final). Me agrada también que en la edición, los cortes sean dinámicos pero tampoco tan rápidos que no permitan saber qué es lo que están haciendo conforme se desarrolla la acción. Incluso en las escenas donde no hay algún tipo de acción, el filme transcurre sin atropellos. Aún si el guión está ya muy visto, la historia transcurre sin verse forzada, lo que es agradable porque todo llega a un final desenvuelto y lógico. No sé por qué escojo tantas palabras bonitas para decirles que si les gustó la primera, deben ver esta, la esencia es la misma y eso hace que valga la pena cada uno de sus 100 minutos.
Fast and Furious 4 recibe palomitas con coca bien fría.

Oh mi Dios...

He visto películas verdaderamente absurdas. Difíciles de creer, con guiones fuera de lo normal, surrealistas, pero Crank: High Voltage es lo más absurdo que he visto en el año. La primer Crank me pareció de hecho bastante buena, aunque ya bastante jalada (término mexicano para lo absurdo). Este fin de semana pude ver la secuela y resultó un filme inverosímil. De hecho me puse a pensar que hace unas noches en el canal 22 de la UNAM estaban pasando The Holy Mountain de Alejandro Jorodowsky, filme surrealista pero con capas y capas de interpretación, simbolismo y esoterismo. Crank es sencillamente una colección de escenas y actos completamente fuera de contexto. Ni siquiera sé si debería estar reseñándola, porque el guión es un completo desorden. No tiene justificación alguna y hace ver a Statham como una especie de superhombre en un viaje porr ecuperar su corazón mismo que le es extirpado de manera casera, le instalan un corazón eléctrico y tiene que pasar el resto de la peli cargándose de eelcricidad de las maneras más absurdas y ridículas, a través de actos inverosímiles, a veces divertidos y en general de mal gusto. Es una película frenética pero sin el talento de un Terry Gilliam en Fear And Loathing In Vegas o un Larry Bishop en Hellride. Las escenas donde Statham pelea (su fuerte en filmes como el Transportador o War) no son muy buenas del todo y de repente algunos eventos se solucionan de maneras muy forzadas. Intento recordar qué es lo rescatable de este filme y lo único que logro concluir es que Mark Neveldine y Brian Taylor me robaron noventa minutos de mi vida filmando esta basura. Aunque saben qué... si son fans de Statham, (como yo) cometerán ese error de verla, sólo por ver a Statham.
Crank High Voltage apenas recibe una pepsi tibia.

Superman II, la versión Donner.

Corría el año de 1980, Superman II se estrena y el director en los créditos es Richard Lester. La peli comienza con la escena de Paris donde resulta que hay una bomba en el elevador y Supes (de cariño para Superman, se pronuncia "sups") simplemente lanza el elevador al espacio, donde la explosión resulta en la liberación de los tres villanos más canijos de Kryptón, el general Zod y sus secuaces Ursa y Non. Durante el filme Clark habla con su madre (Susannah York) y le cuenta que está enamorado y que quiere dejar de ser super para ser como ustedes y como yo. Para no hacer el cuento largo (y quizá no hayan visto la peli) hay unas escenas chidas donde Supes pelea contra los tres en NY y al final se van a la Fortaleza de la Soledad y Zod le pide a Supes que se hinque ante Zod ("kneel before Zod!") para luego tener un final sorpresivo. Lo que quizá no sepan es que el director de la primera peli Richar Donner, filmó básicamente el 75% de Superman II, pero el estudio (Warner) y los señores Salkind decidieron deshacerse de Donner porque la primera se salió de presupusto y no se entregó a tiempo (planeada para verano de 1978, sale hasta Navidad). Lester vuelve a filmar mucho de la peli y entonces comienzan las versiones. Hay mínimo dos versiones llamadas Theatrical (las que se exhibieron en cine), una televisiva y, la que hoy reseño:

Bien, la cosa es muy contrastante, me trae muchos sentimientos encontrados... ustedes disculparán si voy del extremo sentimental al racional. La versión Donner comienza totalmente diferente, Zod es liberado por la explosión de los cohetes que Luthor lanza al final de la primera película (uniéndo las dos genialmente), asimismo Lois demuestra que no es una tarada medio ciega y descubre que Clark es Superman pero con lentes, y luego se re-introduce la famosa escena donde están los dos acostaditos en un colchón plateado (en la Fortaleza de la ya-no-tanta-Soledad) dándonos a entender que que cuchi-cuchi. Kal-El no habla con su mamá (Lara -como las galletas-), habla nada más y nada menos que con Jor-El encarnado por Marlon Brando, eso es cool. Renuncia a ser Supes y CUAZ, en ese momento Zod y compañía comienzan a hacer de las suyas, ayudados por Luthor (Zod es medio ignorante en cuestiones terrestres). Las escenas de NY son chidas y todo acaba como en la primera versión, la de Lester. Supes en esta versión destruye la Fortaleza y con ella "entierra" a Zod, Ursa y Non. Viene una parte inverosímil donde para arreglarlo todo Superman nuevamente regresa el tiempo (que alguien le diga a Mario Puzzo -el guionista- que Superman no tiene esa capacidad, por favor) y Luisa no recuerda, otra vez, que Clark es Supes -pero con anteojos- lo que es bastante incongruente, ya que si al final así vamos a resolver todo, desde un principio hubiera regresado el tiempo en lugar de enfrentarse a Zod.

Bien, el guión mejora mucho en la versión Donner, la edición es mejor y la narración transcurre más hilada y coherente (con sus excepciones). Nos muestra el drama, muy en boga hoy, del tremendo desideratum que implica para un superhéroe dejar de amar por servir a una humanidad ingrata. Muy adelantado para su época, quizá por eso decidieron cambiarlo todo por el guión de luchar contra Zod, salvar al mundo ¿y sus necesidades? ¡qué importa, se ve chido deteniendo un autobús! Bien. Aquí viene la parte sentimental, la versión Donner atenta contra la esencia del personaje. Lo mete mucho en situaciones que normalmente no son broncas inherentes a la personalidad de Supes. Estamos hablando del más grande Boy Scout en la historia de los comics, el ñoño de ñoños, el cuate que jamás mataría una mosca aunque fuera de kryptonita. Tardó sesenta años (de publicación de comics) en casarse, por Dios... y en una escena que yo creí Donner quitaría Clark regresa a un restaurante donde un camionero le pega una paliza siendo mortal y ¡se venga! ¡Superman jamás haría eso! Ni dejaría que Zod muriera, que si bien no se ve que muera, se da a entender (en la versión de TV se ve cómo una partulla polar arresta a Luthor y a los tres kryptonianos), sumamos el hecho de que Superman como tal aparece hasta el minuto 40 de la peli. La conclusión es la siguiente: La versión Donner es cinematográficamente mejor que la de Lester, en todos los aspectos, menos en el final, pero el guión no es de él. La versión de Lester se pasa de ingenua y plantea toda una serie de eventos que "detienen" la narración, y hacen que no fluya, además que no es muy congruente con la primera. Minimiza los problemas interiores del personaje, pero irónicamente, esos problemas no son muy que digamos de Superman. Concediendo sin ceder que es más dramático que tenga esos problemas sentimentales y psicológicos. Al final, prefiero la versión Donner, porque me gusta el cine, porque adoro al Superman de Christopher Reeve y porque esas pelis dejaron huella en mí cuando las fui a ver al cine siendo niño.

Long live (Chris Reeve's) Superman!

La Audiencia

El cine tiene cientos de personas trabajando en su producción. De manera directa e indirecta también. Sin embargo no podría existir, ni tendría razón de ser y existir sin esa personita que paga por estar en ese lugar lleno de butacas, frente a la enorme pantalla en blanco, rodeada de bocinas estratégicamente colocadas para lograr una experiencia inigualabla dentro del antigüo arte de la narración. El Templo del Cinematógrafo no podría existir sin las audiencias.

Sí, se puede tener un gusto por IR al cine, que no es lo mismo que el gusto por EL cine. Es decir, que hay de hecho un perfil -social- para ser un espectador. El miércoles pasado me encontré de repente en una sala de cine rodeado de repente de un mal público ¿existe un mal público? Sí. Es esa personita que no puede quedarse callada mientras se desarrolla el filme, es ese individuo que tiene la necesidad de estar narrando lo que está viendo, es esa persona que se ríe en las partes dramáticas, es esa personita que no está prestando atención al desarrollo de los eventos narrativos. Efectivamente, el cine podrá distraerte mucho a tus niños para quitártelos de encima y podrá ayudarte a matar un par de horas, pero como toda expresión comunicológica, y artística, tiene una interpretación. Los códigos que usa el cine son concretos, variados de acuerdo a la producción, y aun si sujetos a interpretación, plenamente establecidos. Esto no significa que todos debamos ser críticos de cine y que debemos recordar los nombres de todos los directores y actores, que tengamos que entrar a la sala preparados para analizar la fotografía y revisar que el Gaffer haya hecho su trabajo... de hecho creo de corazón que el cine está para divertir. Sin embargo, todo el trabajo que hay detrás de su producción debe ser respetado, y la gente que está a tu alrededor en la sala, también. Sí creo que debe haber un grado de interpretación si bien no basado en algún modelo teórico o crítico, pero tampoco puedes entrar a la sala y no prestar la mínima atención, misma que se refleja en esas constantes pláticas entre personas del público y los niños que se levantan del asiento a cada momento, así como en lo burdo de hacer un comentario o pregunta sin bajar la voz. Cuántas veces entré a una sala pare encontrarme con un grupo de adolescentes que entraron sólo a hacer chistes a expensas del filme y pasan las dos horas riendo (como en el Mystery Science Theater 3000, gran película). Entrar al cine implica respetar el silencio de la sala, respetar el desarrollo del filme y por supuesto respetar el trabajo de toda la gente involucrada en la producción. Podrá ser una afición sencilla, para divertirse cada fin de semana, para ver a los cuates los miércoles, para ir a echar novio, y sabrá Dios cuántas cosas más... sin embargo la esencia del cine es ir a que nos cuenten una historia. Luego entonces, hay que poner el mínimo trabajo mental para entenderla y así lograr el entretenimiento, que de igual manera yo obtengo aun si normalmente estoy analizando cada aspecto de la producción. Así que hay que saber ser público, hay que respetar al mismo, y entender que lo único que pide de nosotros es atención. Lo demás, cada quien se lo pone de acuerdo a sus gustos.

Me encanta ir al cine, y además me encanta el cine, en cualquiera de sus modalidades, ser buen espectador implica primero educación, respeto, civilidad y sobre todo prudencia de saber dónde estamos para llevar a cabo las mínimas normas de comportamiento. Nuestra sociedad pide a gritos prudencia, las calles están llenas de imprudentes que luego entran a la sala cinematográfica y es el lugar donde muchos buscamos esos momentos de emancipación de la actual sociedad y su falta de códigos de convivencia social.

¡Sí!

La última vez que me aparecí por la góndola de las pelis en una tienda de esas que requieren credencialita vi que tenían ya en DVD (que no en BluRay) los volúmenes de Star Wars The Clone Wars. Con un sólo disco, incluían la increíble cantidad de 4 episodios por volúmen ¿cuántos volúmenes había qué comprar para tener los 22 episodios? Cada uno con un costo de poco más de 100 pesos y sin Special Features, una verdadera munga. Pero hoy es oficial, Clone Wars en BluRay para noviembre 3 ¡ósom! Con kilos de special features, episodios extendidos y un booklet. A continuación la info técnica:

Star Wars: The Clone Wars The Complete Season One is presented in widescreen with English, Spanish and French 5.1 DTS audio and English, French and Spanish subtitles. Bonus features include:

Seven Director's Cut Episodes: Rising Malevolence, Shadow of Malevolence, Lair of Grievous, Rookies, Storm Over Ryloth, Innocents of Ryloth and Liberty on Ryloth

22 Episodic Featurettes that go behind-the-scenes with Supervising Director Dave Filoni and crew about the making-of each episode

Spectacular 64-page production journal that includes early sketches, artist notes, and concept art from each episode from Season One

Blu-ray Exclusive -- The Jedi Temple Archives: An extensive database exploring test footage, early concept art, 3-D character and object turnarounds and early animation. The Archives is a rare look at the assets in various stages of creation for The Clone Wars, with a wealth of surprises and never-before seen moments sprinkled throughout.

Soy un Warsie feliz... Happy, happy, joy, joy!

Half Blood Prince

La madrugada del día de hoy se estrenó en nuestro devaluado país la sexta entrega de Harry Potter, titulada El Príncipe Mestizo. Anoche reunidos en el Templo del Cinematógrafo, con los allegados a este humilde bloggero, sentaditos en ricos asientitos de piel esperamos a que la sala se oscureciera y escucháramos el jingle que el señor John Williams creó para identificar al aprendiz de mago. La rúbrica fue seguida por el clásico dolly in del nombre y el viaje cinematográfico comenzó. El guión me pareció muy interesante, con la salvedad de que siendo ya la sexta entrega (y viendo que cada libro se torna más grueso) hay kilos de referencias que ya no podría entender un neófito. Se hace necesario haber visto las anteriores a estas alturas. Si bien no puedo declararme un fan, no estoy tan mal versado en el mundo mágico Rowlingesco y me encontré con diversos términos que es obvio entiende alguien que ya leyó los libros (cosa que no he terminado de hacer) y a veces es difícil entender el marco referencial en el que se desarrollan las cosas. Cada acto de la narración transcurre de manera lógica, secuencial, estructurada. Los personajes son profundos, las actuaciones muchísimo más desarrolladas, el guión en esta ocasión, oscuro. Half Blood Prince es a Harry Potter lo que Empire Strikes Back es a Star Wars. El detalle está en que si la peli se llama el Príncipe Mestizo ¿por qué le dan tan poca cabida en el guión al mismo? Pequeño yerro. La fotografía, esa es la que en mi opinión destaca por encima de todas las demás entregas. Asombrosa, con encuadres completamente estéticos que se acentúan por los sutiles movimientos de cámara. El cine actual está muy enfrascado en que todo sean tomas instantáneas y cortes constantes, flashazos y cámaras frenéticas compensadas con slow motion que me recuerdan a Homero Simpson tomando pildoras para estar despierto y al mismo tiempo otras para dormir, para compensar. En esta ocasión la foto y el montaje nos brindan un viaje narrativo dinámico pero que podemos apreciar con detalle. Ya que la iluminación es muy compleja para poder mantener casi toda la película con un ambiente de obscuridad, recortando las figuras de los actores con luz, así como iluminando piezas clave de los sets. Un trabajo de ilumunación y fotografía muy cuidado, digno de verse nuevamente (pienso). La música continúa con la misma tesitura de las anteriores, ahora claro, un poco más lóbrega pero muy bien realizada. Los actores en términos generales ahora sí destacan más por sus actuaciones que por las situaciones en las que se meten, aunque Half Blood Princes también me resultó a mí la más divertida de todas. Con todo y lo oscura que es, reí mucho. Una excelente entrega de la saga. Espero que las subsecuentes continúen con la misma calidad, cinematográficamente hablando, es una película sobresaliente. Hay que verla en cine, ya que una copia pirata se va a ver del nabo por lo oscuro de la fotografía, y porque es una falta de respeto al Templo del Cinematógrafo.
Half Blood Prince recibe nachos con queso extra y una coca bien fría.

Global Metal

Global Metal es un documental -el segundo de hecho- del antropólogo y headbanger canadiense Sam Dunn, quien también dirige Flight 666, documental que narra lo acontecido en la primer etapa de conciertos del Tour Somewhere In Time de Iron Maiden (tour al que asistí en las dos ocasiones que se presentaron en México). En lo que su servidor el Maqroll busca en las olas del internet Metal: A Headbanger's Journey, el primer documental de Dunn, reseñaré Global Metal. El guión en un principio me pareció un ttrabajo parcial, pero el asunto está en que es muy complicado andar viajando por todo el planeta (específicamente en países con culturas de poca influencia occidental) investigando el impacto de la globalización desde el punto de vista musical enfocándose especificamente al Heavy Metal. No es el mejor guión del mundo y realmente parece un trabajo hecho por un fan para los fans (me recuerda un poco a mi propia tesis) más que un trabajo de investigación, sin embargo es muy interesante y las entrevistas están muy bien realizadas. Dunn viaja a Brasil, Japón, India, China, Indonesia, Israel y Emiratos Árabes Unidos (usando sólo una Visa de turista) entrevistando bandas de metal y buscando las raíces del Metal en dichas culturas para encontrar el origen de la introducción del género y así encontrar lo que una a lo que Dunn llama al final la Aldea Metal. He visto una cantidad decente de documentales sobre los origenes del Metal, y sobre el origen del Rock (papá del Metal) así como del Blues y el Jazz (abuelitos del Metal), Global Metal se enfrasca más en ¿qué hace al Metal un género que gusta en todas las culturas? Misma pregunta que, aunque con menos atención, se han hecho en los otros documentales y las respuestas han sido muy variadas. Ya que las dos ramas o vertientes originales son estadounidenses y británicas, marcadamente diferenciadas por los estatus socioeconómicos de dichas sociedades, haciendo del Rock y el Metal una forma de expresión con contenidos diferentes pero escenacias musicales similares (yo personalmente me inclino más al Metal británico) y Dunn recoge que cada cultura, como en sus orígenes gringos y bretones, expresa su sentir a través del Metal porque es un género totalmente energético, es un estilo de música que da ese feeling de estar gritando (y de hecho, el metal se canta gritando), y cuando quieres comunicar un sentir de adolescencia, de juventud, sin importtar si es un grito de inconformidad (como en el caso de los Israelís o los Indonesios) o un grito religioso (como el caso de los Brasileños o los Indios) no hay nada mejor que una batería sincopada, unos riffs estridentes, un bajo agresivo y el outlet de brincar, gritar y agitar la cabeza. Creo que Bruce Dickinson los resumió de manera genial cuando dice: "Kids are kids. Cause no matter what culture you’ve come from at least a certain portion of kids in whatever cultural society wanna just get up and just go “Aaagh”, like that, and… and… we kind of provide that soundtrack" (Los chicos son chicos. Porque no importa de qué cultura vengas hay al menos una porción de chicos que se quieren levantar y decir "aaaagh", así... y nosotros, como que ponemos el soundtrack). Lo que es completamente cierto, los jóvenes conformistas, o bien los chicos que no tienen nada de qué quejarse o simplemente no tienen ese ímpetu de levantarse y gritar que están felices, o tristes, o enojados o exitados... esos escuchan el meloso y rosa pop... el Metal no es agresivo, el Metal es energético, el Metal vibra, sale de gente vibrante y encuentra cabida en gente vibrante... a unos los hace felices (a mí), a otros les da la oportunidad de decir "estoy harto"... y sea cual sea el sentimiento, positivo o negativo, encuentra una salida, un desahogo que no puede ser expresado con sonidos melifluos. Sencillamente habemos personas que no podemos expresarnos con voz baja y sonidos tiernos. Incluso para decir cosas como "te amo" las vamos a gritar, usando sonidos que penetran nuestros huesos, que nos enchinan la piel, que nos hacen mover el cuerpo sin las ataduras de un paso determinado, o juicio estético. Dunn al final logra demostrar que el Metal se expande, pero que no llega a todos, haciendo de los que nos gusta, una Aldea Metal muy marcada y específica sin importra si eres Judío, Cristiano, Musulmán o Budhista y sin importar si tu sociedad es muy tradicionalista, o abierta a toda expresión. El Metal es un género que alberga a todos y todos los temas.
Global Metal recibe una seña de cuernitos y unas cinco agitadas de cabeza (el equivalente a unas palomitas y una coca fría, jajaja)

Ice Age 3D

Llega el fin de semana y una peli que tenía muchas ganas de ver principalmente porque puedo disfrutar nuevamente de las salas digitales en tercera dimensión. Creo que he mencionado en otras entradas lo mucho que me gustan estas presentaciones. Bien, la Era del Hielo en su tercer entrega nos trae una historia con una referencia vaga en novelas de fantasía escritas por Edgar Rice Burroughs donde se narran historias sobre tierras indómitas y salvajes, perdidas en el espacio pero también en el tiempo donde cohabitan criaturas que deberían estar ya extintas. Si tomamos en cuenta que Ice Age no tiene sustento biológico alguno (mostrando criaturas que jamás existieron), que es una animación ficticia y que está para divertir, podemos decir que el guión cumple su cometido. Nos pone un nuevo escenario para que los personajes hagan nuevamente un road trip, que es básicamente el modus operandi de las entregas anteriores. En esta ocasión la manada que creó Sid en la primer película comienza a tener una vez más una crisis, aunque ya no de especie sino de rol, cada uno de ellos encontrará su lugar en la manada al término del viaje para encontrar que la manada no sólo es rara por su diversidad animal, sino también por su diversidad de roles. Sí encontré un poco ripioso el personaje nuevo, Buck, aunque se compensa porque es muy divertido. Me agradaría ver el filme con sus voces originales ya que es muy obvio que Buck habla como pirata -él es una especie de capitán Ahab obsesionado por Rudy como Ahab lo estaba por Moby Dick-, aunado al hecho de que en la versión en español cambiaron la voz de Sergio Sendel que interpretaba a Diego, lo que resta ya calidad a dicha versión. Podrán decir que soy muy exigente, pero es como si a uno de sus zapatos le cambiaran el color de la agujeta, sutil pero notorio. Se introduce otro personaje nuevo: Scratte, la novia de Scrat, quien le hace ver su negra suerte como si no tuviera ya suficiente, dándonos secuencias muy entretenidas y graciosas. He leído algunas otras reseñas que comentan que da lo mismo verla en formato que no es tercera dimensión. Yo creo que el asunto no está en que haya la mayor cantidad de elementos que se "salgan" de la pantalla para que sea "impresionante", está en que tiene profundidad, en cada escenario, en el volumen de los personajes, en los elementos de ambiente. A mí me gusta porque todo lo ves "infladito", no tanto porque se salgan las cosas de la pantalla. Cada quien sus gustos, yo opino que verla en 3D es genial. Hay secuencias asombrosas que estoy seguro no provocan el mismo feeling sin el "tres de" como la secuencia en las cataratas de lava. Ósom. Es una película que repite ya una fórmula, no es la mejor de las tres, pero si te gustaron las 2 anteriores no puedes perderte esta; es muy divertida. Si la compras pirata caerá sobre de ti la maldición gitana y siete años de mala suerte por faltarle el respeto el Templo de Cinematógrafo.
Ice Age 3 recibe palomitas con coca fría.

3 cortos de Michael

Este fin de semana con mi hermana vi tres cortometrajes del difunto Michael Jackson, el primero es el Capitán EO, filmado especialmente para ser transmitido en el parque de diversiones Disneyland durante 1988 está dirigido por Francis Ford Coppola, producido y escrito por George Lucas y el propio Michael Jackson, quien actúa junto con Anjelica Houston es una historia donde una banda intergaláctica tiene que derrotar a una malvada reina convirtiéndola en un ser de luz vía la música de jackson quien monta una genial coreografía. La producción es maravillosa, buena fotografía, excelente edición, un guión muy Disney, pero ese se salva con la coreografía y música de Jackson. Muy recomendable.


Luego vimos un cortometraje dirigido por el Maestro Stan Winston, el amo del maquillaje y lso efectos especiales. Michael Jackson Ghosts dura veinte minutos y cuenta la historia de unos vecinos que quieren sacar de su vecindario al freak de Jackson quien se enfrenta al líder de la turba en un duelo para ver quién se asusta más. Michael invoca a los fantasmas y sobreviene una impresionante coreografía mezclada con efectos especiales que dejan el ojo cuadrado, tales como el esqueleto de Michael bailando, o él mismo arrancandose la piel de la cabeza. Ghosts es similar a Thriller, pero digno de verse como todo lo que hizo Michael.

Finalmente vimos una producción que no es un cortometraje pero tampoco es un filme. Moonwalker es una colección de videos, un potpurri, e incluye un par de cortometrajes. Comienza con un concierto, nos narra su vida artística, y luego lo vemos grabando un video, convirtiéndose en conejo, teniendo un duelo de baile con el conejo y entramos a la parte donde vive una aventura con tres niños, la historia ahí a veces se hace aburrida, sobresale el video de Smooth Criminal, que es maravilloso; pero contrasta con la parte donde Michael se convierte en nave espacial en una secuencia demasiado lenta y tediosa. Termina con un cover cantando Come Together, Moonwalker tiene momentos aburridos, pero también otros geniales. No cabe duda que Michael siempre inentó estar a la vanguardia, sobre todo visual, ya que musicalmente siempre destacó. Yo no quiero ya saber más de lo que fue su vida, disfruto mucho verlo cantando y bailando, y eso es suficiente.

Oh mi Dios ¡Trekie!

Hasta los Warsies tenemos nuestro lado oscuro. Este fin de semana no pude evitar echarle el guante a esta colección de DVD's, ocho en un paquetito genial que contiene nada más y nada menos que toda la temporada uno de la serie original de Star Trek con los señores William Shatner y Leonard Nimoy. Yo nunca fui muy fan de la serie y la vi esporádicamente en la TV cuando niño, he estado viendo los episodios y están bastante padres, con todo yq ue la producción es en puros estudios con sets de cartón y papel maché. El paquete trae ocho discos, cada disco con cuatro episodios de alrededor de 50 minutos (maravillosos sesenta, los comerciales no comían veinte minutos), algunos traen trailers, spots y comentarios. El audio es 5.1 y el doblaje el original. Muy recomendable sin importar si son Warsies, Trekies o neófitos, la van a encontrar por la módica cantidad de $400 morlacos.

Fong Sai Yuk

Tengo una colección pequeña pero decente de películas de Kung Fu y algunas más de Wu Xia, sobre todo las que he podiido encontrar de los Hermanos Shaw (dueños y productores de filmes chinos) con quienes trabajaron gente como Pei Pei Cheng (Come Drink With Me; Crouching Tiger, Hidden Dragon), Gordon Liu (36 Chambers Of Shaolin, Kill Bill), Jackie Chan (Drunken Master, Who Am I), Donnie Yen (Seven Swords, Dragon Tiger Gate), Sammo Hung (Ip Man, Dragons Forever) y por supuesto Jet Li, quien intepreta el personaje de Fong Sai Yuk en la presente reseña, dirigida por uno de los grandes en el cine de artes marciales: Corey Yuen (Hero, The Transporter). Es una película de época como muchas que les agradan a los chinos y cuenta la hitoria de un personaje real en la cultura china, así como Jet Li encarnó a Wong Fei Hong en la serie de películas Once Upon A Time In China. El guión de la película es genial, aunque sinceramente ignoro qué tan bien apegada esté a la historia del personaje real. Nos va llevando por las etapas de desarrollo de los personajes, familiarizándonos con ellos y mostrando una evolución lógica en eventos y carácter de los involucrados. La fotografía es buena, clásica de este tipo de películas donde hay muchos close ups, sobre todo a manos, piernas y movimientos; combinándolos con las tomas abiertas que muestran paisajes o entornos típicos de aquella época. Los trajes son geniales, siempre es sobresaliente el vestuario en estos filmes. La edición es una maravilla, porque las coreografías de Wushu son asombrosas y nos las muestran con una dinamismo increíble, sin que mareen, ni sean tan rapidas que no apreciemos los diversos estilos de pelea. La música es de época, siempre ambientándo de manera genial, y bueno, sería repetirme si menciono lo sobresaliente de las coreografías, que no es lo que hace que el filme sea muy bueno, pero definitivamente en una peli de artes marciales estas deben ser de alto nivel. Adoro el género y si ustedes también entonces esta es imperdible. Ha sido traducida como La Leyenda, y a veces como La Leyenda de Fong Sai Yuk.
Gong Sai Yuk recibe sus nachos con queso y una coca fría, ahaaaa...